6 Effets Visuels Spéciaux Dans le Film

Les 6 types d'effets spéciaux dans les films

Effets spéciaux

Dès le début du processus créatif, l’imagination est en jeu. Avant qu’une chose existe, elle doit être visualisée dans l’esprit. Cela se produit dans le cinéma tout au long du processus. Il faut d’abord écrire le scénario, un exercice textuel nécessaire qui ne permet pas de premières images. Vient ensuite le story-board. À ce stade, la première étincelle de ce qui réside dans l’esprit de l’artiste prend vie. Les séquences sont tracées graphiquement, fournissant des images clés de la progression du film. C'est une révélation de constater cela avec les yeux pour la première fois. Une fois la production lancée, tout devient réel. Un réalisateur doit examiner les accessoires et la garde-robe, auditionner et choisir les acteurs, rechercher et approuver les lieux, etc. Quand ce moment chaud arrive enfin – le tournage sur le plateau – vous voyez vos scènes une fois pour toutes, n'est-ce pas ? Eh bien, pas tout à fait…

Effets visuels. Entrez dans le domaine très vaste des effets visuels spéciaux. Les effets VFX impliquent l'utilisation de la technologie numérique pour créer, améliorer ou modifier des éléments visuels qui peuvent être peu pratiques, dangereux ou impossibles à capturer à huis clos. Au plus profond de l'histoire du cinéma, diverses techniques ont été utilisées pour insérer des images qui n'avaient pas été filmées sur le plateau avec des éléments qui l'étaient. Le présent et le pas encore là finiront par partager l’écran. Les effets spéciaux dans les films sont des techniques soigneusement élaborées utilisées pour créer des moments captivants et visuellement époustouflants qui améliorent l’expérience cinématographique globale. De nos jours, il est de notoriété publique qu'il y a un peu de CGI (Computer Generated Imagery) dans presque tous les films hollywoodiens. Mais dès les années 1890, les cinéastes utilisaient des méthodes intelligentes pour ajouter des éléments aux films via des astuces intégrées à l'appareil photo, un montage intelligent et des doubles expositions. Les effets spéciaux cinématographiques englobent un large éventail de techniques, notamment les effets pratiques, les images générées par ordinateur (CGI) et les effets visuels (VFX), qui travaillent tous ensemble pour créer des visuels impressionnants sur grand écran. Même si l’ère numérique a rendu bon nombre de ces techniques traditionnelles beaucoup moins courantes, la quasi-totalité d’entre elles sont encore utilisées aujourd’hui.

Les exemples d'effets spéciaux dans les films peuvent aller de séquences d'action explosives avec des pièces pyrotechniques complexes à l'intégration transparente de créatures fantastiques dans des séquences d'action réelle. Quelle que soit la manière dont les effets visuels spéciaux sont réalisés, un défi central a toujours été présenté aux cinéastes : comment filmer une scène alors qu’une grande partie n’est pas visible du tout ? Encore une fois, le film numérique a considérablement réduit ce défi. Mais en fin de compte, les acteurs doivent jouer contre des personnages et des événements qui ne se produisent pas. La caméra doit enregistrer un espace négatif qu’elle ne connaît pas encore. Et comme toujours, le réalisateur doit toujours être conscient de ce à quoi ressemblera la scène finale montée, cette fois sans rien à regarder sur le plateau. Il existe de nombreuses façons de procéder, mais cela varie en fonction des techniques utilisées. La composition numérique est un processus crucial dans les effets spéciaux où plusieurs éléments visuels sont combinés, couche par couche, pour créer une image finale cohérente et réaliste. Vous trouverez ci-dessous quelques-uns des effets visuels les plus couramment utilisés dans les longs métrages d’action réelle, ainsi que la manière dont le cinéaste peut aborder la maîtrise de l’art du « à plus tard ».

1. Animations

Il existe de nombreux exemples célèbres de films dans lesquels des personnages animés interagissent avec le monde « réel » du film. Les exemples classiques incluent des films Disney comme Mary Poppins et Who Framed Roger Rabbit ? Des personnages et des animaux animés dessinés à la main ont été ajoutés après coup, tandis que les acteurs devaient jouer contre des accessoires remplaçant leurs homologues vivants. Plus récemment, CGI a été utilisé pour remplir cette fonction, comme dans The Life of Pi et Goosebumps . La bonne nouvelle pour les cinéastes est qu'un storyboard bien conçu servira de guide en pré-production pour familiariser les acteurs et l'équipe avec l'idée de ce à quoi ressembleront les images et séquences finales. Lorsqu'elle est combinée avec des illustrations de personnages et des rendus de conception de production, une image complète peut être saisie pour aider à traduire non seulement l'action, mais aussi l'ambiance de ce qui sera ajouté plus tard. Des doubleurs peuvent également être présents sur le plateau pour ajouter un élément auditif qui peut être particulièrement bénéfique pour les personnes qui donnent leur réplique sur le plateau.

2. Miniatures

L’une des astuces les plus anciennes du livre sur les effets visuels spéciaux est l’utilisation de miniatures. Traditionnellement, cela signifiait construire des modèles réduits d’environnements pour représenter de très grands ensembles comme des villes entières, des véhicules massifs, d’énormes structures, etc. Dès l’ère du silence, des films comme Metropolis utilisaient des miniatures pour représenter une ville du futur, dotée de pièces mobiles. Il faudrait que les acteurs ne regardent rien et essayent de nous faire croire qu'ils assistent à un scénario à couper le souffle. Alors que le premier aperçu des miniatures a lieu dans le storyboard, c'est lors du processus de conception de la production que les cinéastes ont le premier aperçu réel des détails des modèles à construire. Une fois que les artisans se sont attelés à leur construction, toute l’équipe peut avoir un aperçu réel de ce qui apparaîtra à l’écran. Même si toutes les productions ne peuvent pas avoir accès aux miniatures terminées avant le tournage sur le plateau, même les premiers exemples doivent être partagés avec l'équipe de production et les acteurs clés. Il y a un élément tactile à se tenir devant des miniatures finement construites qui pénètre vraiment dans les globes oculaires. Vous pouvez même vraiment les toucher (avec précaution !). Avoir du temps en face-à-face avec ce qui restera à l'écran plus tard profitera à la production.

3. Peintures mates

Une autre méthode traditionnelle pour ajouter des environnements à grande échelle est le Matte Painting. Il existe différentes manières de procéder, mais essentiellement, un artiste peint un décor photo-réaliste très détaillé, souvent à grande échelle, pour représenter ce qu'un décor ne pourrait pas. Les acteurs sont bloqués dans le cadre afin de ne pas casser les bordures du cache qui seront ajoutés ultérieurement. Le Magicien d'Oz les a utilisés à bon escient, en particulier lorsque Dorothy et le gang ont un premier aperçu de la Cité d'Émeraude au loin. Star Wars les a également utilisés dans des plans comme le quai de chargement de l'Étoile de la Mort – ces centaines de Storm Troopers ont été littéralement attirés ! Les storyboards sont souvent essentiels à la compréhension initiale de l'apparence de ces images une fois les images intégrées, mais tout devient beaucoup plus clair avec la conception de la production. Dans le passé, ces peintures spécialisées n’étaient peut-être pas prêtes à être vues au moment où les caméras tournaient sur le plateau. De nos jours, les caches numériques sont les plus courants, et un accès anticipé aux visuels peut mettre toute l'équipe sur la même longueur d'onde.

4. Arrêter le mouvement

Il y a un certain charme à l'animation en stop motion, même si le produit final ne peut pas masquer ce dont il s'agit. Des vieux classiques comme King Kong à Anomalisa , nominé aux Oscars en 2015, il existe une texture pour exposer des modèles entièrement mobiles, une image à la fois, que CGI ne pourra jamais recréer. Des personnages tels que des poupées, des véhicules jouets, de l'argile ou à peu près n'importe quelle matière première qu'un cinéaste souhaite animer sont minutieusement filmés dans des dizaines de poses par seconde de film afin de recréer l'illusion du mouvement. Les premiers tests peuvent donner aux acteurs et à l'équipe une idée très concrète de ce qui apparaîtra à côté d'eux à l'écran en post-production, offrant ainsi une expérience de base là où auparavant ils n'étaient confrontés qu'à un espace vide sur le plateau. Les cinéastes peuvent préparer la production encore plus tôt en partageant les storyboards et la conception des personnages avant la photographie en stop motion. Et comme il est courant que les techniques de stop motion utilisent également des caches, des miniatures et même des animations, une source de référence beaucoup plus approfondie est souvent disponible pour préparer toutes les personnes impliquées dans leur rôle dans le produit final.

5. Doubler

Tout le monde semble aimer les jumeaux. Et des clones. Ou peut-être des robots ayant une ressemblance frappante avec un protagoniste. Quoi qu'il en soit, chaque fois que vous voyez le double d'un personnage à l'écran, c'est presque invariablement la technique du doublement que vous regardez (par opposition aux vrais jumeaux, triplés, etc.). Et à l'ère du numérique, le doublement peut facilement se détériorer, de la même manière que les multiples avatars de l'agent Smith semblent se multiplier à l'infini dans les films Matrix . Le dédoublement fait peser la responsabilité sur l'acteur : comment jouer contre soi-même ? Dès le début de la pré-production, un storyboard peut aider les acteurs à concevoir une stratégie physique pour exprimer les juxtapositions de leurs différents personnages. Dans le passé, un dialogue préalablement enregistré ou un acteur fournissant un contre-dialogue était d'une grande aide pour l'acteur qui doublait son rôle. L’ère numérique permet la relecture instantanée et l’intégration d’acteurs doublés, afin qu’ils puissent littéralement se regarder agir contre eux-mêmes sur le plateau si besoin est. Mais comme toujours, effectuer des tests précoces avec la technologie disponible peut faire un travail encore meilleur en matière de préparation aux performances.

6. Image de synthèse

L’effet visuel spécial dont on parle le plus est aussi celui dont les gens ne semblent pas suffisamment apprécier la profondeur. Les images générées par ordinateur peuvent littéralement afficher n'importe quoi sur un écran – depuis de vastes paysages qui n'existent même pas jusqu'à d'énormes armées remplies de personnages numériques au lieu de figurants sur le plateau. La technologie numérique permet aux scènes d’être littéralement peintes et animées de la manière choisie par le cinéaste. Et, si vous le souhaitez, peut remplacer toute autre forme d’effet discutée ici jusqu’à présent. Malgré cela, il existe de nombreuses raisons de continuer à utiliser des miniatures, des caches et des modèles, et très souvent, le CGI est mélangé à d'autres médias pour créer des séquences de films. Ce qui est également intéressant dans le processus, c'est que les éléments « manquants » peuvent souvent être interagis sur le plateau via un composite intégré sur un moniteur. Cela donne aux acteurs et à l’équipe un énorme avantage lorsqu’il s’agit de combler les lacunes manquantes devant la caméra. Mais avant même que cela n’arrive, le cinéaste doit être sûr de demander ce qu’il veut. CGI est un processus coûteux qui nécessite une grande expertise et une grande équipe technique exploitant des logiciels et du matériel coûteux. Même s’il est possible de se payer le luxe d’« effacer » des résultats que l’on n’aime pas, de telles erreurs risquent d’entraîner d’énormes dépassements de coûts. Mieux vaut utiliser des méthodes moins chères plus tôt. Les outils tels que les storyboards, la conception de production et les clips de test ne doivent jamais être jetés, même si des composites numériques sont disponibles sur le plateau. Tout faire correctement dès le départ peut permettre aux cinéastes d'économiser beaucoup de temps, d'argent et de maux de tête.

Effets spéciaux et effets visuels : distinguer le pratique du numérique

Dans le domaine du cinéma, les effets spéciaux englobent des techniques pratiques telles que les explosions et l'animatronique, tandis que les effets visuels utilisent la technologie numérique pour créer ou améliorer des éléments difficiles ou impossibles à réaliser en pratique. Les effets spéciaux se concentrent sur les astuces intégrées à la caméra et la manipulation physique, tandis que les effets visuels s'étendent au-delà de la réalité, en utilisant la CGI et la composition numérique. Ensemble, ces disciplines se combinent pour offrir des spectacles visuels captivants qui repoussent les limites de l'imagination dans l'industrie.

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Foire aux questions sur les effets spéciaux au cinéma

Lorsque vous explorez les effets visuels d’un film, quels sont les deux plus susceptibles d’être discutés ?

Les CGI (images générées par ordinateur) et les effets pratiques sont d'excellents exemples pour discuter de deux effets visuels utilisés dans des films populaires.

CGI (Computer-Generated Imagery) : CGI est une technique numérique qui permet aux cinéastes de créer et de manipuler des visuels à l'aide d'un logiciel informatique. Il a révolutionné l'industrie cinématographique en permettant la création de créatures réalistes, d'environnements fantastiques et de séquences d'action spectaculaires. Des films à succès comme "Avatar", "Avengers : Endgame" et "Jurassic Park" ont montré l'immense potentiel du CGI pour porter à l'écran des mondes imaginatifs et des visuels à couper le souffle. Grâce à CGI, les cinéastes peuvent mélanger de manière transparente des séquences d'action réelle avec des éléments créés numériquement, ce qui entraîne une intégration transparente et des expériences visuelles réalistes.

Effets pratiques : Les effets pratiques font référence aux techniques physiques utilisées sur le plateau pour créer des illusions visuelles. Ils impliquent l’utilisation d’accessoires réels, de maquillage, de modèles, de miniatures, de pièces pyrotechniques, d’animatroniques et d’autres méthodes tangibles. Les effets pratiques ont une longue histoire dans le cinéma et ont été à l’origine de certains moments emblématiques du cinéma. Des effets de créature révolutionnaires dans "Alien" aux cascades époustouflantes de la série "Mission : Impossible", les effets pratiques offrent une expérience tangible et viscérale aux acteurs et au public. Les cinéastes combinent souvent des effets pratiques avec CGI pour obtenir un mélange homogène d'éléments du monde réel et d'améliorations numériques.

Quels sont les films célèbres connus pour leurs effets visuels révolutionnaires ?

Plusieurs films sont devenus célèbres grâce à leurs effets visuels révolutionnaires, révolutionnant l’industrie et plaçant la barre plus haut pour les futurs films. "Jurassic Park" (1993) a stupéfié le public avec sa représentation réaliste des dinosaures à l'aide d'images générées par ordinateur (CGI). "The Matrix" (1999) a introduit l'effet Bullet Time emblématique, remodelant les séquences d'action. "Avatar" (2009) a repoussé les limites de la capture de mouvement et de la CGI pour créer un monde extraterrestre visuellement immersif. "Inception" (2010) a présenté des effets visuels époustouflants, notamment des combats en apesanteur et des séquences de repli de la ville. "Gravity" (2013) dépeint l'immensité de l'espace grâce à une intégration transparente de l'action réelle et de la CGI. "Interstellar" (2014) mélangeait effets pratiques, miniatures et images de synthèse pour explorer les voyages spatiaux et les trous noirs. Ces films ont laissé un impact durable, inspirant les futurs cinéastes à repousser les limites des effets visuels.

Qu’est-ce que les VFX au cinéma ?

VFX signifie « effets visuels » dans le film. Il fait référence à l'utilisation de la technologie numérique, de l'imagerie générée par ordinateur (CGI) et d'autres éléments visuels pour améliorer ou créer des séquences visuelles difficiles ou impossibles à réaliser par des moyens pratiques seuls. Les effets visuels dans le cinéma englobent un large éventail de techniques, notamment la création d'environnements réalistes, l'animation de créatures fantastiques, la simulation de phénomènes naturels comme le feu et l'eau et l'ajout d'améliorations visuelles aux séquences d'action réelle. Les artistes VFX jouent un rôle crucial dans le processus de réalisation cinématographique, en utilisant des logiciels et des techniques spécialisés pour donner vie à des mondes imaginatifs et à des visuels extraordinaires sur grand écran.