6 Effetti Visivi Speciali nel Film

I 6 tipi di effetti speciali nei film

Effetti speciali

Fin dall'inizio del processo creativo, l'immaginazione è in gioco. Prima che una cosa esista, deve essere visualizzata nella mente. Questo accade nel cinema lungo tutto il percorso. Prima va scritta la sceneggiatura, un esercizio testuale necessario che non ammette immagini iniziali. Poi arriva lo storyboard. A questo punto prende vita la prima scintilla di ciò che si trova nella mente dell'artista. Le sequenze vengono tracciate graficamente, fornendo fotogrammi chiave per l'avanzamento del film. È una rivelazione registrarlo con gli occhi per la prima volta. Una volta avviata la produzione, tutto diventa reale. Un regista deve rivedere gli oggetti di scena e il guardaroba, fare audizioni e cast di attori, esplorare e approvare le location e così via. Quando finalmente arriva quel momento caldo – le riprese sul set – vedrai le tue scene una volta per tutte, giusto? Beh, non proprio...

Effetti visivi. Entra nell'area molto ampia degli effetti visivi speciali. Gli effetti VFX implicano l'uso della tecnologia digitale per creare, migliorare o modificare elementi visivi che potrebbero essere poco pratici, pericolosi o impossibili da catturare nella fotocamera. Nel profondo della storia del cinema, sono state impiegate varie tecniche per inserire immagini che non erano state girate sul set con cose che lo erano. Il presente e il non ancora qui finiranno per condividere lo schermo. Gli effetti speciali nei film sono tecniche accuratamente realizzate utilizzate per creare momenti accattivanti e visivamente sbalorditivi che migliorano l'esperienza cinematografica complessiva. Al giorno d'oggi, è risaputo che c'è un po' di CGI (Computer Generated Imagery) in quasi tutti i film di Hollywood in circolazione. Ma già nel 1890, i cineasti utilizzavano metodi intelligenti per aggiungere elementi ai film tramite trucchi incorporati, editing intelligente e doppie esposizioni. Gli effetti speciali dei film comprendono una vasta gamma di tecniche, inclusi effetti pratici, immagini generate al computer (CGI) ed effetti visivi (VFX), che lavorano tutti insieme per creare immagini maestose sul grande schermo. Nonostante il fatto che l’era digitale abbia reso molte di queste tecniche tradizionali molto meno comuni, praticamente tutte sono ancora in uso oggi.

Esempi di effetti speciali nei film possono variare da sequenze d'azione esplosive con intricati effetti pirotecnici alla perfetta integrazione di creature fantastiche in filmati live-action. Indipendentemente dal modo in cui vengono realizzati gli effetti visivi speciali, una sfida centrale è sempre stata costantemente presentata ai cineasti: come si può filmare una scena quando gran parte di essa non può essere vista affatto? Ancora una volta, la pellicola digitale ha ridotto notevolmente questa sfida. Ma alla fine, gli attori devono recitare contro personaggi ed eventi che non stanno accadendo. La telecamera deve registrare uno spazio negativo che ancora non conosce. E come sempre, il regista deve essere sempre consapevole di come apparirà la scena finale modificata, questa volta senza nulla da guardare sul set. Esistono molti modi per farlo, ma varia a seconda delle tecniche utilizzate. Il compositing digitale è un processo cruciale negli effetti speciali in cui più elementi visivi vengono combinati, strato dopo strato, per creare un'immagine finale coerente e realistica. Di seguito sono riportati alcuni degli effetti visivi più comuni utilizzati nei lungometraggi live action e il modo in cui il regista può avvicinarsi a padroneggiare l'arte del "ci vediamo dopo".

1. Animazione

Ci sono moltissimi esempi famosi di film in cui i personaggi animati interagiscono con il mondo “reale” del film. Esempi classici includono film Disney come Mary Poppins e Chi ha incastrato Roger Rabbit? Persone e animali animati disegnati a mano sono stati aggiunti dopo il fatto, mentre gli attori avrebbero dovuto recitare contro oggetti di scena che sostituivano controparti viventi. Più recentemente, la CGI è stata utilizzata per svolgere questa funzione, come in La vita di Pi e Pelle d'oca . La buona notizia per i realizzatori è che uno storyboard ben realizzato servirà da guida nella pre-produzione per familiarizzare il cast e la troupe con l'idea di come appariranno i fotogrammi e le sequenze finali. Se combinato con le illustrazioni dei personaggi e i rendering del design della produzione, è possibile ottenere un quadro completo per aiutare a tradurre non solo l'azione, ma l'atmosfera di ciò che verrà aggiunto in seguito. I doppiatori possono anche essere presenti sul set per aggiungere un elemento uditivo che può essere particolarmente vantaggioso per le persone che recitano le loro battute sul set.

2. Miniature

Uno dei trucchi più antichi nel libro degli effetti visivi speciali è l'uso delle miniature. Tradizionalmente, ciò significava costruire modelli in scala di ambienti per rappresentare set molto grandi come intere città, veicoli enormi, strutture enormi e così via. Già nell'era del cinema muto, film come Metropolis utilizzavano miniature per rappresentare una città del futuro, completa di parti mobili. Gli attori dovrebbero guardare il nulla e cercare di farci credere che stanno osservando uno scenario sbalorditivo. Mentre il primo sguardo alle miniature avviene nello storyboard, è durante il processo di progettazione della produzione che i filmmaker riescono a dare il primo sguardo reale ai dettagli dei modelli da costruire. Una volta che gli artigiani si sono messi al lavoro per costruirli, l'intera troupe può dare un'occhiata reale a ciò che apparirà sullo schermo. Sebbene non tutte le produzioni possano avere accesso alle miniature completate prima delle riprese sul set, anche i primi esempi dovrebbero essere condivisi con lo staff di produzione e il cast chiave. C'è un elemento tattile nel stare di fronte a miniature finemente costruite che affonda davvero negli occhi. Puoi persino toccarli davvero (con attenzione!). Avere il tempo di confrontarsi con ciò che apparirà sullo schermo in seguito andrà a beneficio della produzione.

3. Dipinti opachi

Un altro metodo ormai consolidato per aggiungere ambienti su larga scala è il Matte Painting. Esistono diversi modi per farlo, ma essenzialmente un artista dipinge un set fotorealistico altamente dettagliato, spesso su larga scala, per rappresentare ciò che un set non potrebbe. Gli attori sono bloccati nell'inquadratura per non rompere i bordi del mascherino che verrà aggiunto in seguito. Il Mago di Oz li ha impiegati con grande efficacia, soprattutto quando Dorothy e il gruppo vedono per la prima volta in lontananza la Città di Smeraldo. Star Wars li ha utilizzati anche in riprese come la zona di carico della Morte Nera: quelle centinaia di Storm Trooper ne sono stati letteralmente attirati! Gli storyboard sono spesso fondamentali per la comprensione iniziale di come appariranno questi fotogrammi una volta integrate le immagini, ma tutto diventa molto più chiaro con la progettazione della produzione. In passato, questi dipinti specializzati potrebbero non essere pronti per essere visti nel momento in cui le telecamere girano sul set. Al giorno d'oggi, i mascherini digitali sono i più comuni e l'accesso anticipato alle immagini può portare l'intero team sulla stessa lunghezza d'onda.

4. Ferma il movimento

C'è un certo fascino nell'animazione in stop motion, anche se il prodotto finale non riesce a mascherare ciò che è. Dai vecchi classici come King Kong ad Anomalisa, candidato all'Oscar nel 2015, c'è una trama per esporre modelli completamente posabili un fotogramma alla volta che la CGI non potrà mai ricreare. Figure come bambole, veicoli giocattolo, argilla o qualsiasi altra materia prima che un regista possa desiderare di animare vengono minuziosamente filmate in dozzine di pose al secondo di pellicola per ricreare l'illusione del movimento. Le prime prove di prova possono dare al cast e alla troupe un'idea molto concreta di ciò che apparirà accanto a loro sullo schermo in post-produzione, offrendo un'esperienza radicata laddove prima si trovavano di fronte solo a uno spazio vuoto sul set. I registi possono preparare la produzione anche prima condividendo storyboard e design dei personaggi prima della fotografia in stop motion. E poiché è comune che le tecniche stop motion utilizzino anche mascherini, miniature e persino animazioni, è spesso disponibile una fonte di riferimento molto più profonda per preparare tutti i soggetti coinvolti alla loro parte nel prodotto finale.

5. Raddoppio

Tutti sembrano amare i gemelli. E cloni. O forse robot con una sorprendente somiglianza con un protagonista. In ogni caso, ogni volta che vedi la controfigura di un personaggio sullo schermo, è quasi invariabilmente la tecnica del raddoppio quella che stai guardando (in contrapposizione all'uso di gemelli, terzine, ecc.) nella vita reale. E nell'era digitale, il raddoppio può facilmente andare in tilt, nel modo in cui i molteplici avatar dell'agente Smith sembrano moltiplicarsi all'infinito nei film Matrix . Il raddoppio scarica il peso direttamente sull'attore: come si gioca contro se stessi? All'inizio della pre-produzione, uno storyboard può aiutare il cast a ideare una strategia fisica per esprimere le giustapposizioni dei suoi vari sé. In passato, i dialoghi registrati in precedenza o un attore che forniva un dialogo di risposta costituivano un grande aiuto per l'attore che raddoppiava la propria parte. L'era digitale consente la riproduzione istantanea e l'integrazione di attori sdoppiati, in modo che possano letteralmente guardarsi agire contro se stessi proprio lì sul set, se necessario. Ma come sempre, eseguire i primi test con la tecnologia a portata di mano può fare un lavoro ancora migliore nella preparazione delle prestazioni.

6. CGI

L'effetto visivo speciale di cui si parla di più è anche quello di cui le persone non sembrano apprezzarne abbastanza la profondità. Le immagini generate al computer possono letteralmente mettere qualsiasi cosa su uno schermo: da vasti paesaggi che non esistono nemmeno a enormi eserciti pieni di persone digitali invece che di comparse sul set. La tecnologia digitale consente alle scene di essere letteralmente dipinte e animate nel modo scelto dal regista. E, se lo si desidera, può sostituire ogni altra forma di effetto fin qui discussa. Anche così, ci sono molte ragioni per continuare a utilizzare miniature, mascherini e modelli, e così spesso la CGI viene mescolata con altri media per creare sequenze di film. Un'altra cosa bella del processo è che spesso è possibile interagire con gli elementi “mancanti” sul set tramite un composito integrato su un monitor. Ciò offre al cast e alla troupe un enorme vantaggio nel colmare le lacune mancanti davanti alla telecamera. Ma prima ancora che ciò accada, il regista deve essere sicuro di chiedere quello che vuole. La CGI è un processo costoso che richiede grande esperienza e un ampio team tecnico che gestisce software e hardware costosi. Sebbene ci sia il lusso di “cancellare” i risultati che non ci piacciono, quando si commettono tali errori si rischiano enormi sforamenti dei costi. Meglio usare prima metodi più economici. Strumenti come storyboard, scenografia e clip di prova non dovrebbero mai essere smaltiti, anche se sul set saranno disponibili compositi digitali. Ottenere tutto giusto fin dall'inizio può far risparmiare ai registi un sacco di tempo, denaro e mal di testa.

Effetti speciali vs effetti visivi: distinguere la pratica dal digitale

Nel campo del cinema, gli effetti speciali comprendono tecniche pratiche come esplosioni e animatronica, mentre gli effetti visivi utilizzano la tecnologia digitale per creare o migliorare elementi difficili o impossibili da realizzare praticamente. Gli effetti speciali si concentrano sui trucchi della telecamera e sulla manipolazione fisica, mentre gli effetti visivi si estendono oltre la realtà, utilizzando CGI e compositing digitale. Insieme, queste discipline si combinano per offrire spettacoli visivi accattivanti che spingono i confini dell’immaginazione nel settore.

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Domande frequenti sugli effetti speciali nei film

Quando si esplorano gli effetti visivi dei film, quali sono i due più probabili da discutere?

La CGI (immagini generate al computer) e gli effetti pratici sono ottimi esempi per discutere di due effetti visivi che sono stati utilizzati in film popolari.

CGI (Computer-Generated Imagery): CGI è una tecnica digitale che consente ai registi di creare e manipolare immagini utilizzando software per computer. Ha rivoluzionato l'industria cinematografica consentendo la creazione di creature realistiche, ambienti fantastici e sequenze d'azione spettacolari. Film di successo come "Avatar", "Avengers: Endgame" e "Jurassic Park" hanno mostrato l'immenso potenziale della CGI nel portare sullo schermo mondi fantasiosi e immagini mozzafiato. Attraverso la CGI, i filmmaker possono fondere perfettamente filmati live-action con elementi creati digitalmente, ottenendo un'integrazione perfetta ed esperienze visive realistiche.

Effetti pratici: gli effetti pratici si riferiscono alle tecniche fisiche utilizzate sul set per creare illusioni visive. Implicano l'uso di oggetti di scena reali, trucco, modelli, miniature, articoli pirotecnici, animatronici e altri metodi tangibili. Gli effetti pratici hanno una lunga storia nel cinema e sono stati responsabili di alcuni momenti iconici del cinema. Dagli innovativi effetti sulle creature di "Alien" alle acrobazie strabilianti della serie "Mission: Impossible", gli effetti pratici forniscono un'esperienza tangibile e viscerale sia per gli attori che per il pubblico. I registi spesso combinano effetti pratici con CGI per ottenere una miscela perfetta di elementi del mondo reale e miglioramenti digitali.

Quali sono alcuni film famosi noti per i loro effetti visivi rivoluzionari?

Diversi film hanno raggiunto la fama per i loro effetti visivi rivoluzionari, rivoluzionando il settore e alzando il livello per i film futuri. "Jurassic Park" (1993) ha stupito il pubblico con la sua rappresentazione realistica dei dinosauri utilizzando immagini generate al computer (CGI). "The Matrix" (1999) ha introdotto l'iconico effetto bullet time, rimodellando le sequenze d'azione. "Avatar" (2009) ha ampliato i confini del motion capture e della CGI per creare un mondo alieno visivamente coinvolgente. "Inception" (2010) ha mostrato effetti visivi sconvolgenti, inclusi combattimenti a gravità zero e sequenze di città che piegano. "Gravity" (2013) ha rappresentato la vastità dello spazio attraverso la perfetta integrazione di live-action e CGI. "Interstellar" (2014) unisce effetti pratici, miniature e CGI per esplorare i viaggi nello spazio e i buchi neri. Questi film hanno lasciato un impatto duraturo, ispirando i futuri registi a spingersi oltre i confini degli effetti visivi.

Cos'è il VFX nel film?

VFX sta per "Effetti visivi" nei film. Si riferisce all'uso della tecnologia digitale, delle immagini generate al computer (CGI) e di altri elementi visivi per migliorare o creare sequenze visive difficili o impossibili da ottenere solo con mezzi pratici. Gli effetti visivi nei film comprendono un'ampia gamma di tecniche, tra cui la creazione di ambienti realistici, l'animazione di creature fantastiche, la simulazione di fenomeni naturali come il fuoco e l'acqua e l'aggiunta di miglioramenti visivi alle riprese dal vivo. Gli artisti VFX svolgono un ruolo cruciale nel processo di realizzazione del film, utilizzando software e tecniche specializzate per dare vita a mondi fantasiosi e immagini straordinarie sul grande schermo.